时装如戏
以爱好戏剧化表现而闻名的荷兰设计师Viktor & Rolf 日前在伦敦巴比肯美术馆开展，回顾入行以来15 年的经典设计。这一次他们干脆搭起戏台，自制人偶，把时装放进了巨大的娃娃屋。在令人目不暇接的时尚圈上，Viktor & Rolf 也并不是头一个把戏剧搬上T 台的设计师。作为时装营销重要的一个环节，时装发布会早已不再是简单的“商品推介会”。设计师想方设法，将T 台变成戏台，把自己变为一场大戏的导演。
作为设计师与媒体沟通的媒介，时装秀早已不是最初的“商品推介会”。演员、观众、布景，一个都不少，再加上设计师与模特最后的“谢幕”——我们可以发现，时装秀和舞台艺术间并不存在本质的区别。观众被动地接受着T台上的“戏剧”，但这并不会妨碍他们日后积极地把时装穿在身上。
梦幻时装剧
上世纪60 年代，灯光和音响被引入时装秀的制作中。从那时起，时装秀日益成为“没有剧本的戏剧”。而今天这个炫目刺激的时装秀面目，则始于Christian Dior 和Givenchy。彼时LVMH 公司的大佬Bernard Arnault 意欲为旗下几栋时尚旧楼翻翻新，请来John Galliano 和Alexander McQueen分别入主Christian Dior 和Givenchy。Bernard 给予两位生猛小子以充分的创作自由，但要求他们务必把两栋旧楼修整翻新成梦幻宫殿。
1998 年，John Galliano 把观众请到装点得如《风中奇缘》般的奥斯特里斯火车站，一辆汽笛长鸣的火车呼啸着进站，模特们走着猫步徐徐下车。同时Alexander McQueen 为Givenchy 所设计的新装以末代沙皇那神秘失踪的安娜斯塔西亚公主为灵感，把被打扮成俄罗斯公主的模特放置在热带雨林中，居然还真的在秀场里炮制了一个亚马逊瀑布。同一年， 行为艺术家VanessaBeecroft 在古根海姆美术馆里雇用了50 个模特，让她们穿着Gucci 比基尼和高跟鞋在美术馆大厅里摆姿势。她们不能说话，不能移动，整整3 个小时里，她们能干的就是死盯着观众。
很明显， 作为一代人，JohnGalliano、Alexander McQueen 和Vanessa Beecroft 根本混淆了设计师和艺术家之间身份壁垒的视听。当然，大集团公司不是傻子，巨额资金的投入并不是为了实现John Galliano 和Alexander McQueen 个人的梦想，目的只有一个—让媒体的报道来得更猛烈些吧。事实上，这招很管用，早已暮气沉沉的这两家公司，因为1990 年代的几场风光大秀，迅速巩固了“终极幻想”的品牌地位。
罗兰?巴特在《流行体系: 符号学与服饰符码》中质疑道：“如果没有语言的描述、评论和说明，服装可以传达任何意义吗？”从某种程度上说，戏剧化的时装秀，恰是在更强有力地编织起时装的意义之网。2008 秋冬季的Louis Vuitton 时装秀上，10 位超模被打扮成艺术家Rid Prince 笔下的小护士的模样，便直观地为整个系列点题。Alexander McQueen 是个中高手。
他把自己品牌1999 年的秋冬季系列命名为“闪灵”。而整场秀再现了StephenKing 同名小说中的场景—秀场被布置成冬日里的荒原，有树，有用25 吨冰块制作出来的冻湖，而秀场里则不断回响着疾风与狼嚎。如此具体而充满震撼的戏剧场景，使得AlexanderMcQueen 的这个系列成为媒体的宠儿。
尝到甜头的设计师，以不可遏制的速度，每季扩大时装秀的预算。
当然，一场完美的秀中所呈现的服装，未必最终会成为“商品”。它兴许只是一件“戏服”。Alexander McQueen曾经在1999 春夏季的发布会上，把一位穿着白衣的模特放置在一个圆形转盘上，两头则各自放置了一台机器人。
当模特转动起来的时候，机器人不断喷射出黄色和黑色的颜料，尽数落在了模特的白衣上，须臾一件礼服被现场“制作”完成。而2006 年春夏系列中，他索性把三维投影搬上了舞台，让KateMoss 如幽灵一般出现，又如烟一般消失。显然Alexander McQueen 无意使这两场秀的高科技表演成为他的注脚，只是在不断强化他作为当代时装界“高精尖”代表的身份。而时装秀本身也好似一场招待媒体的“戏剧”，只要舞台足够新奇，媒体的报道便会更卖力。可惜，今天的许多时装评论家已厌倦了不务实的秀，T 台上的“奇淫巧技”日益成为一个毫无意义的噱头。
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